Mae Murray

Mae Murray (10 de mayo de 1889 – 23 de marzo de 1965) fue una actriz y bailarina estadounidense, que fue conocida como "The Girl with the Bee-Stung Lips" y "La Gardenia de la Pantalla".

Su verdadero nombre era Marie Adrienne Koenig, y nació en Portsmouth, Virginia. Se inició en la interpretación en el teatro deBroadway en 1906 con la bailarina Vernon Castle. En 1908, se unió al coro de las Ziegfeld Follies, siendo cabeza de cartel en 1915.

Murray se convirtió en una estrella tanto en los Estados Unidos como en Europa, actuando junto a Clifton Webb, Rodolfo Valentino, y John Gilbert, entre otros muchos compañeros de baile.

Su debut cinematográfico fue en To Have and to Hold (1916). Se convirtió en una gran estrella de la Metro-Goldwyn-Mayer, trabajando junto a Rodolfo Valentino en The Delicious Little Devil yBig Little Person en 1919. En el cenit de su popularidad, Mae formó su propia compañía productora con el director John M. Stahl. Tuvo algunas críticas sobre sus ropas exageradas y su enorme emotividad, pero sus películas fueron un éxito financiero.

En esa época, en los primeros años veinte, Murray, junto con otras importantes personalidades de Hollywood tales como Cecil B. DeMille, Douglas Fairbanks Sr., William S. Hart, Jesse L. Lasky, Harold Lloyd, Hal Roach,Donald Crisp, Conrad Nagel e Irving Thalberg, fue miembro del Consejo de Administración de la Motion Picture & Television Fund – Una organización caritativa que ofrece asistencia y cuidados a los integrantes sin recursos de la industria cinematográfica y televisiva. Cuatro décadas más tarde, Mae también hubo de recibir ayuda de la esta organización.

El papel más famoso de Murray fue probablemente el que interpretó en La viuda alegre (1925), de Erich von Stroheim, junto aJohn Gilbert. Sin embargo, cuando el cine mudo dio paso al sonoro, la voz de Murray se mostró incompatible con el nuevo cine, y su carrera empezó a marchitarse. En 1931 fue escogida para trabajar junto a la estrella del cine mudo Norman Kerry en el film sonoro titulado Bachelor Apartment. La película fue criticada duramente en el momento del estreno y la carrera de ambos en el nuevo medio fue cada vez a menos.

Su trayectoria se vio aún más afectada cuando su cuarto marido, "Príncipe" David Mdivani (un falso noble de origen georgiano cuyo hermano, Serge, se casó con la actriz Pola Negri y la heredera Barbara Hutton), se convirtió en su mánager y sugirió a su nueva esposa que dejara la MGM. Desafortunadamente, Mae siguió el consejo de su marido y rompió el contrato, consiguiendo la enemistad del poderoso jefe del estudio Louis B. Mayer. Posteriormente, Mae rogó volver al estudio, pero Mayer no quiso saber nada de ello. Finalmente Mae y David, que se habían casado en 1926, se divorciaron; tuvieron un niño, Koran David Mdivani (febrero de 1927). Anteriormente había estado casada con William M. Schwenker Jr. (1908-1909), con el corredor de bolsa y campeón olímpico de bobsleigh J. Jay O'Brien (1916-1917), y con el director cinematográfico Robert Z. Leonard(1918-1925).

Durante un breve período de tiempo, Murray escribió una columna semanal para el magnate de la prensa William Randolph Hearst.

En los años cuarenta Murray actuó con regularidad en el club Billy Rose's Diamond Horseshoe, en el cual a menudo se presentaban con nostalgia antiguas estrellas. Sus actuaciones recogieron críticas variadas: su baile (en particular el vals de la Viuda Alegre) era bien recibido, pero Murray no quería reconocer su edad, y se maquillaba en exceso y llevaba ropa poco adecuada para una mujer madura.

En sus últimos años posiblemente se vio afectada por una demencia. Richard Griffith escribió en The Movie Stars, “Su apariencia finalmente fue la caricatura estrafalaria de la superestrella, más que una caricatura peligrosa. Caminaba por la Quinta Avenida con la cabeza hacia atrás, con la mirada fija hacia el cielo. Un observador preocupado vería que ella intentaba presentar una barbilla juvenil a los transeúntes, y esperaría que no tropezara con un bordillo y se cayera al suelo. Se decía que conseguía invitaciones gratis a bailes benéficos, y una vez en ellos pedía a la orquesta que tocara el tema de La Viuda Feliz, que bailaba sola, obligando a los asistentes a retirarse de la pista de baile”.

El único hijo de Murray, Koran David Mdivani, fue educado por Sara Elizabeth "Bess" Cunning de Averill Park, Nueva York, quien empezó a cuidarle en 1936, cuando el niño se estaba recuperando de una doble operación de mastoides. Cuando Murray intentó conseguir la custodia de su hijo en 1939, Cunning y sus hermanos, John, Ambrose, y Cortland, se negaron, según el New York Times, teniendo Murray una amarga disputa por la custodia con su anterior marido, Mdivani. Todo finalizó en 1940, consiguiendo Murray la custodia legal del niño, y ordenando el juzgado que Mdivani pagara 400 dólares como pensión alimenticia. Sin embargo, Koran Mdivani siguió siendo criado por Bess Cunning, quien le adoptó en 1940, llamándolo Daniel Michael Cunning.

El hijo de Murray se casó en 1950 con Patricia Ann Maloney de Cohoes, Nueva York. Tuvieron dos hijos, Pamela y Cynthia. La bisnieta de Mae, hija de Cynthia, se llama Elizabeth Mae como homenaje a su bisabuela.

Las finanzas de Murray se hundían, y la mayor parte de su vejez la vivió en la pobreza. Finalmente se trasladó al Motion Picture & Television Country House and Hospital en Woodland Hills (Los Ángeles), una comunidad de retiro para los profesionales de Hollywood.

Mae Murray falleció a los 75 años. Está enterrada en el cementerio Valhalla Memorial Park, en North Hollywood, California.

Mabel Normand

Mabel Normand (10 de noviembre de 1895 - 22 de febrero de 1930) fue una actriz cinematográfica estadounidense, y la actriz cómica más popular de la era del cine mudo.

El final de su carrera se vio marcado por varios escándalos sucesivos, incluyendo la muerte del director William Desmond Taylor, con quien ella estuvo sólo minutos antes de su asesinato

Su verdadero nombre era Mabel Ethelreid Normand, nació en Staten Island, Nueva York, y se crio en un ambiente de extrema pobreza. Su padre, Claude Normand, trabajaba esporádicamente como carpintero.

Cuando entró en el cine a los 16 años en 1909, Normand trabajaba como modelo de artistas, tarea que incluía posar para tarjetas ilustradas por Charles Dana Gibson, creador de la imagen de la Gibson Girl.

Conoció al director Mack Sennett y se embarcó en una aventura con él. Sus primeros filmes la retrataban como una belleza en traje de baño, pero Normand rápidamente demostró facilidad para la comedia y se convirtió en una estrella de los cortos de Sennett.

Actuó regularmente con Charles Chaplin y Roscoe Arbuckle, y escribió, dirigió y protagonizó algunos de los primeros títulos de Chaplin. Está acreditada como una de las primeras personas en tirar una tarta en un film -- a Arbuckle en A Noise from the Deep (1913) – y a menudo se la cita como la más prominente cómica del cine mudo.

En 1914 actuó con Chaplin y Marie Dressler en Tillie's Punctured Romance, y finalmente llegó a ser una estrella cinematográfica. Al finalizar su relación con Sennett firmó un contrato semanal de 3.500 dólares con Samuel Goldwyn en 1918 y abrió su propio estudio en Culver City, California.

Se afirma que en esta época se hizo adicta al alcohol y a los narcóticos, lo cual dañó su salud y su carrera. A pesar de todo, su rotura con Sennett parece que causó un cambio en su vida y desarrolló su interés por la lectura.

El director William Desmond Taylor compartía el interés de Normand por los libros, y ambos se hicieron íntimos amigos. Él fue asesinado en 1922 pocos minutos después de haber salido ella del domicilio de Taylor. Normand fue investigada por la policía, aunque nunca llegó a ser la principal sospechosa.

La prensa especuló sobre la culpabilidad de Normand, habida cuenta su consumo de drogas y sus muchas actuaciones junto a Roscoe Arbuckle, el cual recientemente también se había visto marcado por el escándalo.

En 1924 ella se encontró con otro escándalo cuando su chófer, Joe Kelly (ex-convicto cuyo nombre real era Horace Greer), disparó e hirió a Courtland Dines, amante de Normand, con la pistola de ella.

Continuó rodando filmes y firmó un contrato con Hal Roach Studios en 1926 tras tener diferencias con el director y productor F. Richard Jones, que la había dirigido en Keystone.

Con Roach rodó la película Raggedy Rose, además de otras cuatro que fueron estrenadas con apoyo publicitario de la comunidad de Hollywood (incluyendo el de su amiga Mary Pickford).

En 1926 se casó con el actor Lew Cody, con el cual había trabajado en Mickey en 1918. Vivieron en Beverly Hills. Sin embargo, la salud de Normand se había deteriorado. Tras un largo ingreso en un sanatorio, falleció a causa de una tuberculosis en Monrovia, California, a los 34 años de edad. Fue enterrada en el Cementerio Calvary de Los Ángeles.

Mabel Normand tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución a la industria cinematográfica, en el 6821 de Hollywood Boulevard.

Francesca Bertini

Francesca Bertini (Florencia, 11 de abril de1892 - Roma, 13 de octubre de 1985) fue una actriz italiana de cine mudo, género en el que trabajó en más de noventa películas. Fue una de las más famosas estrellas del primer cuarto del siglo XX.

Nació en Florencia el 11 de abril de 1892 (otras fuentes dicen 1888) y falleció el 13 de octubre de 1985.

De pequeña, fue adoptada por una pareja de artistas que se estaba trabajando en Florencia: el trovarobe (‘encuentra cosas’) napolitano Arturo Vitiello y la actriz cómica de teatrofiorentina Adelaide Frataglioni. Le dieron el nombre de Elena Seracini Vitiello.

Bertini comenzó a trabajar como actriz desde niña, principalmente en Nápoles, donde vivía con su familia. En 1904, a la edad de 16 años, se mudó a Roma, donde mejoró sus dotes actorales, especialmente en escenarios de teatro y trató de entrar en la floreciente industria del cine en Italia.

Con la obra maestra del cine mudo Assunta Spina (en 1915) estuvo a cargo del guion y del papel protagónico. Bertini se convirtió en una estrella popular internacionalmente, y las mujeres de todo el mundo trataban de imitar su sofisticación. En 1915 ganó 175 000 dólares, lo cual fue un récord en su época. Recién el año siguiente Mary Pickford ganaría una suma de ese monto. Bertini inventó las manera actual de ser de una actriz de cine, convirtiendo a la diva en algo más sobrio, evitando los gestos ampulosos y las maneras histéricas y caprichosas de las divas de su época. Ella fue una de las primeras actrices de cine que apuntó al realismo, en vez del estereotipo dramático de moda en esa época. Fue un anticipo de los cánones neorrealistas. La clave de su éxito fue la expresión de sentimientos más genuinos. Realizaba con la misma soltura la lánguida heroína decadente y la mujer común más de pueblo. Otros papeles importantes fueron Odette, Fedora, Tosca y La dama de las camelias.

Francesca Bertini encarnaba el personaje de la mujer pasional y más allá de la moda. Su productor tuvo la idea de hacerle realizar una serie de siete filmes inspirados en la novelaLos siete pecados capitales de Eugène Sue (1804-1857), cada uno dedicado a un pecado mortal: así la diva podría expresarse en toda la gama de las pasiones. Después de anunciada, la película tuvo una gran cantidad de pedidos. Pero cuando en 1919 salió la primera película de la serie, no tuvo el éxito comercial esperado.

Bertini entró finalmente en el cine sonoro, pero mientras tanto el cine italiano había cambiado: estaban de moda las comedias de teléfono blanco y comenzó el periodo de crisis con la extrema censura del fascismo. Durante la Segunda Guerra Mundial el cine tuvo un verdadero impasse. Después de la guerra, una nueva generación de directores y actores jóvenes se hicieron cargo de la industria del cine en Italia. Sin embargo, Bertini todavía era considerada como muy popular y una de las mejores actrices vivas. A fines de los años cuarenta, la cinematográfica Fox le ofreció un contrato para ir a vivir a Hollywood, pero ella se negó: se había casado con el millonario banquero suizo Paul Cartier y se mudó con él a Suiza. Cuando murió su esposo, ella regresó a Roma, donde permaneció hasta su muerte.

En los años sesenta y setenta apareció esporádicamente en televisión. Fue entrevistada, por ejemplo, por Mike Bongiorno y por Maurizio Costanzo, evocando con nostalgia sus épocas lejanas de triunfo. En1976, Bernardo Bertolucci pudo convencerla de realizar un pequeño cameo (aparición casual), con ropa de monja, en su película Novecento. En 1982 aceptó realizar un reportaje en un documental.

Falleció en Roma a los 93 años.

Brigitte Helm

Brigitte Helm, fue una actriz alemana que se hizo famosa por su doble rol como Maria/Maria-robot en la película Metrópolis (1927), de Fritz Lang.

Brigitte Eva Gisela Schittenhelm nació en Berlín,Alemania, el 17 de marzo de 1908. Era la última de entre cuatro hermanos: Elisabeth (Lisa, 1900 – 1989), Adelheid (Heidi, 1901 – 1987), Heinz (1903 – 1906), y Eva Gisela, Brigitte. Su padre era militar, y falleció en 1913, quedando su madre al cuidado de los niños. Justamente fue ella quien introdujo a Brigitte al mundo de la actuación, en una época considerada como los comienzos del cine, la Edad de Plata de la pantalla.

Helm fue descubierta por Thea von Harbou, quien se encontraba trabajando en un film junto a su marido, Fritz Lang, desde 1925. Este film era Metrópolis, cuyo rodaje comenzó hacia 1926, y cuya historia estaba basada justamente en una novela del mismo nombre escrita por la propia von Harbou. Para su papel, ni más ni menos que protagónico, la joven Helm, de tan solo 18 años, debería interpretar a dos personajes totalmente opuestos: Maria, la hija de un obrero de los suburbios de Metrópolis, cuya principal labor era la de mantener la paz entre los trabajadores, sobreexplotados por su jefe, Joh Fredersen (interpretado por Alfred Abel), y Maria/Robot, creada por Rotwang el científico (Rudolf Klein-Rögge) bajo orden de Fredersen, y cuyo objetivo era lograr el desorden entre los obreros, para evitar una revuelta contra el propio gobernante de Metrópolis. Durante la película, Maria se enamoraba de Freder (Gustav Fröhlich), hijo de Fredersen. Sin embargo, el rodaje del film implicó un gran esfuerzo para Brigitte: el hecho de interpretar a dos personajes muy diferentes, además de utilizar el pesado y caluroso traje del famoso robot, significó varias horas de grabación y de cansancio para la joven. El film, considerado como uno de los más emblemáticos de la historia del cine, implicó el lanzamiento a la fama de una actriz que, sin embargo, no tendría una larga duración en la pantalla.

Además de Metrópolis, Helm grabaría dos filmes más durante 1927: Am rande der Welt (Al filo del mundo), y Die Liebe der Jeanne Ney (El amor de Jeanne Ney). En ésta última, dirigida por George W. Pabst, interpreta a una muchacha ciega, prima de la protagonista (Edith Jehanne, como Jeanne Ney), dejando en claro sus dotes actorales. Hacia 1928, los personajes de Helm se alejarían de aquella inocente Maria de Metrópolis, asimilándose más a Maria/Robot, una mujer seductora, decidida, coqueta, desafiante, cualidades muy bien representadas aprovechando sus rasgos físicos, sus particulares ojos claros, y otros aspectos faciales, además de su expresividad y desenvolvimiento. Es así como en Die Jacht der Sieben Sünden (El Barco de los Siete Pecados, de Jacob y Luise Fleck), Abwege (Crisis, de Pabst), Mandrágora (Alraune) (Mandrágora, de Henrik Galeen) y L'Argent (El Dinero, de Marcel L'Herbier), Brigitte Helm termina de consagrarse como una de las actrices de moda. Para 1929, sus películas más destacadas fueron Manolescu (de Viktor Tourjansky) y Die Wunderbare Lüge der Nina Petrowna (La maravillosa mentira de Nina Petrona, de Hanns Schwarz). El drama, la seducción y los amoríos son temas principales en todas estas producciones: Así como en Abwege la historia gira alrededor de una pareja en crisis, en Die Wunderbare Lüge der Nina Petrowna, la protagonista se enamora de un soldado, siendo la esposa del coronel. En Alraune, la hija de un delincuente con una prostituta se bate entre ser una buena o una mala chica, y en L’Argent, de las más reconocidas de Helm en esta etapa, el dueño de un banco se enamora de la esposa de un aviador, lo cual desata la furia de su ex amante, en este caso encarnada en la actriz alemana.

En 1930, Brigitte Helm volvió a dar vida a Alraune, pero esta vez en su versión hablada,Mandrágora (Alraune), y dirigida por Richard Oswald. La historia es básicamente la misma, y puede verse además a Helm interpretando la canción Wenn Männer mich betrügen (Cuando los hombres me engañan). Para 1931, compartiría protagonismo una vez más junto a Gustav Fröhlich, Freder Fredersen de Metrópolis, pero esta vez en Gloria. Y en 1932, filmaría quizás su película más reconocida de la era sonora del cine: Die Herrin von Atlantis (La Atlántida, L’Atlantide en su versión francesa, Mistress of Atlantis en su versión inglesa). En ésta última, interpreta a la reina Antinea, que por su poder seductivo logra que uno de los oficiales perdidos en la Atlántida sienta celos de su mejor amigo, por quien la reina sentía un gran amor, desatando la tragedia. Pero los siguientes años no podrían compararse con los últimos de la décadad del 20. La llegada del régimen nazi comenzó a censurar varias producciones nacionales, algo que afectó por supuesto a la carrera de la actriz. Entre 1933 y 1935, sin embargo, ocurrió la etapa más productiva de Helm, considerando la realización de películas tanto en versiones francesas como alemanas, destacándose los filmes Adieu les Beaux Jours (Adiós a los bellos años, de André Beucler), L’etoile de Valencia (La estrella de Valencia, de Serge de Poligny), Furst Woronzeff (Los secretos de Woronzeff, de Arthur Robison) y Geld (Gold, Oro, de Karl Hartl). Su último film, de 1935, se llamó Ein idealer gatte (Un esposo ideal, de Herbert Selpin), y significó el fin de la carrera de una estrella en ascenso, que comenzó a actuar con menos de dos décadas de vida, y que se retiró sin haber llegado a los 30. Aquellos años fueron también los más problemáticos, pues la actriz provocó dos accidentes automovilísticos, uno en 1933 y otro en 1934, por el que terminó en prisión dos meses.

El motivo pincipal del fin de la carrera de Helm fue la intervención nazi en el cine, que condicionó gran parte de las películas alemanas. Brigitte no quería censura en sus producciones, y optó por retirarse. Pero además, quizás como desafío al régimen, se había casado con un industrial de origen judío,Hugo von Kunheim (1900 - 1984), con quien tendría además cuatro hijos: Matthias, Pieter, Victoria y Christoph. Anteriormente, había estado casada con Rudolf Weissbach, de quien terminaría divorciándose en 1934. Sin embargo, otro motivo de gran importancia fue el rechazo a Hollywood. Brigitte no quería irse de Alemania, y eso determinó que no aceptase la oferta del papel protagónico para el filme La novia de Frankenstein, que finalmente recaería en Elsa Lanchester. Su residencia en Alemania, permitiría que sus principales rivales, Greta Garbo y Marlene Dietrich, fuesen mucho más reconocidas que ella.

Helm se mudó con su familia a Suiza, de donde regresaría a Alemania en 1942 y al finalizar la guerra. Siempre de incógnito, desde su retiro evitó las apariciones públicas y se negó a dar cualquier tipo de entrevista. Su esquive a los medios evitó que pudiese ser fotografiada ya en sus últimos años, algo que Garbo no pudo evitar. Falleció el 11 de junio de 1996, a los 88 años y a raíz de un choque circulatorio, en Ascona, Suiza. Un año antes, había sido homenajeada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

Theda Bara

Theodosia Burr Goodman (29 de julio de 1885en Cincinnati, Ohio - 7 de abril de 1955 en Los Ángeles, California), actriz estadounidense.

Nació a mediados de la década de 1880 en una familia de clase media baja de inmigrantes que vivían en el barrio judío de Avondale, en Cincinnati. Bernard Goodman (1853-?), el padre, era un comerciante judío procedente de Polonia, y su madre, Pauline DeCoppett (1861-?) una suiza. Tenía dos hermanas (una de ellas, Lori, en realidad llamada Esther, llegó a hacer pequeños guiones en algunas películas).

Desde joven, Theo mostró una gran inclinación a las artes escénicas, hasta el punto que, tras acabar sus estudios decidió encontrar trabajo en el mundo del espectáculo tras teñirse el pelo, originariamente rubio, de negro. No tuvo demasiado éxito al principio, encasillándose a principios de siglo en pequeñas obras de teatro ambulantes. Una vez en Los Ángeles, en 1914, comenzó a trabajar como extra (la primera película fue The Stain, estrenada en 1915) hasta que llegó su gran oportunidad.

Ésta llevaba el nombre de A fool there was y estaba dirigida por Frank Powell. Aunque Theda ya estaba considerada como vieja para protagonizar un papel (tenía treinta años, en una época en la que no se concebía una protagonista mayor de veinticinco), su especial personalidad hizo que los productores se fijasen en ella y la "creasen" : Theo se convirtió en la primera estrella prefabricada por unos estudios cinematográficos, que explotaron su imagen de vamp y le cambiaron el nombre a Theda Bara, anagrama de Arab Death (muerte árabe). Para el gran público, Theda había nacido en 1890 hija de una concubina egipcia y su amante, un artista francés, en pleno Sahara, e incluso conocía misteriosos rituales mágicos orientales. Fue todo un éxito.

1915 dio lugar a seis películas más protagonizadas por Theda, que culminó el año con una de sus obras más famosas, Carmen, pero, sin duda, la película que la catapultaría a la fama absoluta sería Cleopatra de J. Gordon Edward en 1917, una de las primeras adaptaciones de la vida de la reina de Egipto.

En 1919, tras finalizar el rodaje de The lure of ambition, Theda fue despedida por la productora que la había creado, la Fox. La moda de las vamps había finalizado para dar paso a las alegres flappers. Dos años después, en 1921, y tras su matrimonio con Charles Brabin, Theda se retiró, aunque colaboró en el rodaje de Madame Mystery en 1926, poniendo entonces el punto y final definitivo a su carrera, que se hizo efectivo cuando, en la década de 1930, fracasaron todos sus intentos para volver al teatro y, en la de 1950, de crear una biopic con su vida. La razón de su retiro fue que Brabin no deseaba que ella actuase; en efecto, todas sus colaboraciones en películas desde su matrimonio las hizo sin el consentimiento de su esposo, mientras éste se hallaba en el extranjero.

A la edad de 69 años, Theodosia falleció en un hospital de Los Ángeles a causa de un cáncer abdominal.

Curiosidades

La famosa y muy cinematográfica frase deBésame, tonto fue usada por primera vez en la historia del cine por Theda Bara.

A pesar de que casualmente Theda Bara es un anagrama para Arab Death (muerte árabe), en realidad Theda es un diminutivo de Theodosia y Bara era el segundo nombre de su abuela materna.

En contra de la imagen de vamp que tenía en sus películas, Theodosia era en realidad una mujer en extremo tímida y tranquila en la vida privada.

De sus más de 40 films, solo se conservan 3 y medio, los demás entran dentro de la categoría de Film perdido; dentro de estas obras maestras perdidas se encuentra precisamente su película más famosa: Cleopatra.

Citas

Tengo la cara de una vampiresa, pero el corazón de una feminista.

La gente se cree ciegamente lo que ve en la pantalla. Piensa que los artistas somos idénticos a nuestros personajes. Han llegado a romper carteles con mi imagen por eso, incluso una vez una mujer llamó a la policía porque su hijo estaba hablando conmigo.

Estoy condenada a seguir haciendo papeles de vampiresa durante toda mi vida. Creo que es porque la humanidad necesita que le repitan la misma lección de moralidad una y otra vez.

Dolores Costello

Dolores Costello (17 de septiembre de 1905 –1 de marzo de 1979) fue una actriz cinematográfica estadounidense que consiguió sus mayores éxitos en la era del cine mudo. Fue llamada "La Diosa del Cine Mudo". Fue madrastra de la primera hija de John Barrymore, Diana Barrymore de su segunda esposa, madre de John Drew Barrymore y abuela de Drew Barrymore.

Costello nació en Pittsburgh, Pennsylvania. Era hija de los actores Maurice Costello y Mae Altschuk. Dolores y su hermana menor Helene actuaron por primera vez en el cine en los años 1909–1915, en papeles infantiles para la Vitagraph Studios. Hicieron papeles secundarios en varias películas protagonizadas por su padre, que era un ídolo popular de la época. La primera interpretación con créditos de Dolores Costello, según la Internet Movie Database, es el papel de un hada en la adaptación para el cine de 1909 de El sueño de una noche de verano, de William Shakespeare.

Las dos hermanas actuaron en Broadway juntas, y su éxito les proporcionó contratos con la Warner Bros. En 1926, tras varios pequeños papeles en diversas películas, Dolores Costello protagonizó junto a John Barrymore The Sea Beast, una adaptación libre de la obra de Herman Melville Moby-Dick. Warner Bros comenzó pronto a darle papeles protagonistas. Mientras tanto, ella y Barrymore se enamoraron y, tras una relación de dos años, se casaron en 1928.

Pocos años después de llegar al estrellato, la actriz se había convertido por méritos propios en una personalidad cinematográfica de éxito y, ya como adulta, su carrera se desarrolló hasta el punto de que en 1926 fue nombrada WAMPAS Baby Star, adquiriendo el sobrenombre de "La Diosa de la Pantalla de Plata".

En 1927 volvió a rodar junto a John Barrymore, en la película When a Man Loves, una adaptación de Manon Lescaut. En 1929 coprotagonizó junto a George O'Brien Noah's Ark (El Arca de Noé), película dirigida por Michael Curtiz.

Costello ceceaba (algo que su nieta, Drew Barrymore, parece haber heredado), y tuvo dificultades para pasar al sonoro, pero tras dos años de educación vocal superó el problema. Una de sus primeras actuaciones para el sonoro fue con su hermana Helene en la extravagante película de Warner Bros The Show of Shows (Arriba el telón) (1929). Su carrera pasó a un segundo plano tras el nacimiento de su primer hijo, y se retiró de la pantalla en 1931 para dedicarse a su familia. Sin embargo, su matrimonio con John Barrymore tenía problemas, dado el progresivo alcoholismo de él, por lo que acabaron divorciándose en 1935.

Costello retomó su carrera un año más tarde, y consiguió algunos éxitos, sobre todo con Little Lord Fauntleroy (1936), y The Magnificent Ambersons (1942). Se retiró permanentemente de la interpretación tras su trabajo en This is the Army (1943), otra vez bajo la dirección de Michael Curtiz.

En 1939 se casó con el Dr. John Vruwink, su ginecólogo, pero se divorciaron en 1950. Costello pasó los últimos años de su vida en semi reclusión, rigiendo una granja de aguacates.

Poco antes de su muerte, accedió a ser entrevistada para la serie documental Hollywood, en la que discutía sobre su carrera. Falleció por un enfisema en Fallbrook, California, en 1979, y fue enterrada en el Cementerio Calgary de East Los Angeles.

Dolores Costello tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución a la industria cinematográfica, en el 1645 de Vine Street.

Marion Davies

Marion Davies (Brooklyn, 3 de enero de 1897 –Hollywood, 22 de septiembre de 1961) era una actriz estadounidense, mejor conocida por su relación sentimental con el periodista William Randolph Hearst.

Marion Cecelia Douras nació en la ciudad deBrooklyn, New York, el 3 de enero de 1897. Era la más joven de cinco hijos: su padre, Bernard J. Douras, un abogado que se movía dentro de los círculos políticos en New York y su madre Rose Reilly, oriunda de New Jersey.

Sus hermanos mayores eran Rose, Reine y Ethel. Su hermano Charles falleció ahogado en 1906. Su nombre fue dado posteriormente al sobrino favorito de Marion, el guionista Charles Lederer, hijo de la hermana de Marion, Reine Davies.

La familia Douras vivía cerca de Prospect Park, en Brooklyn, pero las luces brillantes de Manhattan sedujeron a sus hermanas quienes cambiaron su apellido Douras por Davies. Incluso en un momento en que New York se había convertido en la meca de los inmigrantes, su apellido las ayudó grandemente en sus perspectivas.

El interés por el mundo del espectáculo la había alcanzado temprano, mientras que ella miraba a sus hermanas participar en producciones locales de la época, ella deseó hacer igual. Marion fue contratada como corista en New York City en los espectáculos famosos de Ziegfeld Follies. Pero ella deseaba más que bailar. Así que fijó su interés en el cine. Su primera actuación fue en la películaRomany the Fugitive en 1917 cuando tenía 20 años, la película fue dirigida por su cuñado. No fue exactamente una éxito en la taquilla, pero para Marion fue un comienzo. La película era el escalón para la fama. El año siguiente Marion protagonizó tres películas: The burden of proof,Beatrice Fairfax y Cecilia of the pink roses.

Fue esta última película la que llamó la atención del magnate de la prensa, William Randolph Hearst, con quien Marion comenzaría una relación romántica que se mantuvo por 30 años. Debido al imperio periodístico de Hearst, promoverían a Marion como ninguna actriz antes de ella. Apareció en numerosas películas en los siguientes años como Murder of the cinema, en 1919. En 1922, Marion apareció como María Tudor en la epopeya romántica histórica, When knighthood was in flower, una película en la cual Hearst vertió millones de dólares para hacerla estrella de cine.

Incluso durante su carrera, su vida social de perfil alto oscureció a menudo sus logros profesionales. A finales de los años 20, Hearst se preocupó, era obvio que las películas sonoras estaban a punto de substituir las mudas; estaba nervioso porque Marion cuando se ponía nerviosa tartamudeaba y le preocupaba que ella no hiciera una transición acertada al nuevo medio. Ella sin embargo no tuvo ningún problema con el cambio. En 1930, dos de sus mejores películas sonoras fueronSo dumb y The florodora girl.

Hacia 1934, las películas de Marion habían perdido su atractivo y comenzó su declive. Si no hubiera estado en el foco de Hearst, su carrera no hubiese declinado. Él fue más un obstáculo que una ayuda. Hearst había intentado empujar ejecutivos de MGM para emplear a Marion para el papel de Elizabeth Barrett en The Barretts of the Wimpole Street. Pero Louis B. Mayer tenía otras actrices en mente para el papel.

Hacia finales de los años 30, Hearst sufría reveses financieros y fue Marion quien lo sacó a flote vendiendo 1 millón de dólares de su joyería. Sin ella la Hearst Corporation no hubiera podido estar donde está hoy. Los problemas financieros de Hearst también significaron el final de su carrera. Aunque ella había hecho la transición al sonido, otras estrellas se presentaban al mejor precio. Los papeles para ella fueron cada vez menos.

Para 1937, Marion tenía 40 y filmó su última producción para la pantalla de plata, Since then Eve. A partir de las películas y las intensas presiones de su relación con Hearst, Marion recurrió al alcohol. A pesar de esos problemas, era una mujer de negocios muy aguda y lista a pesar del declive de su carrera.

Después de la muerte de Hearst en 1951, Marion se casó por primera vez a la edad de 54, con Horace Brown. La unión duraría hasta que ella murió de cáncer el 22 de septiembre de 1961 en Los Ángeles, California. Tenía 64 años.

Pola Negri

Pola Negri (Barbara Apolonia Chalupiec) (31 de diciembre de 1897, Lipno, Janowa, Polonia(antes Rusia) - 1 de agosto de 1987, San Antonio, Texas), fue una actriz polaca de ascendencia eslovaca, una de las grandes divas del cine mudo. Nacionalizada estadounidense en 1951

Su padre Jerzy Mathias Chalupiec, de origen eslovaco, fue detenido por el ejército ruso por 'actitudes anti-zaristas' y enviado a Siberia, lo que hizo que la familia Chalupiec (Barbara y su madre Eleonora) pasara por momentos difíciles económicamente, viviendo en un suburbio de Varsovia. Sin embargo, Negri fue admitida en el Ballet Imperial ruso, para el que trabajó hasta que a causa de la tuberculosis (según otras fuentes, una lesión), tuvo que abandonar la compañía; así, Negri centró su atención en el teatro, y estudió interpretación en la Escuela de Arte Dramático de Varsovia.

Aun en Polonia, Negri (rebautizada así por la poetisa italiana Ada Negri) llegaría a actuar en películas como Zona (La esposa), Bestia (La bestia) o Studenci (Estudiantes). Poco después viajaría a Berlín, Alemania, donde trabajaría en la compañía de teatro de Max Reinhardt y más tarde con Ernst Lubitsch.

La película de este último, Los ojos de la momia (Die augen der mumie), fue un éxito que hizo que Negri consiguiera una oportunidad en Hollywood.

Algunas de sus películas hollywoodienses más reconocidas son: La frivolidad de una dama, dirigida por el también exiliado Lubitsch, La bailarina española o Sombras de París. En 1927rodó a las órdenes de Mauritz Stiller Hotel Imperial y The Woman on Trial.

En esta época, Negri dio mucho que hablar no sólo por su romance con el cómico británico Charles Chaplin sino, sobre todo, por sus supuestos planes de boda con Rodolfo Valentino, que Pola se encargó de airear a la prensa tras la muerte de éste. Incluso, durante el funeral de Valentino, Negri siguió el féretro desde Los Ángeles a Nueva York, posando para la prensa como si fuera su viuda. Muchos actores, como Tallulah Bankhead, Mary Pickford o Alberto Valentino, hermano de Rodolfo, criticaron esto y la acusaron de mentir a la prensa.

Con la llegada del cine sonoro, su popularidad de la década de 1920 se desvaneció por completo debido a su fuerte acento polaco y su dificultad para hablar inglés. Regresó a Alemania, y trabajó para los estudios UFA, controlados por entonces por Goebbels. Protagonizó, en 1935, la película Mazurka, de Willi Forst. Sin embargo, por sus supuestas raíces judías, emigró otra vez a Estados Unidos en la década de 1940 y se nacionalizó estadounidense.

Los últimos años de su vida son un misterio, por lo que se la suele comparar con el personaje de Norma Desmond que interpretó Gloria Swanson en El crepúsculo de los dioses. Negri fue, de hecho, la principal candidata de Billy Wilder para el papel, pero lo rechazó, considerándolo una ofensa.

Murió de un tumor cerebral (o neumonía) en1987, a los 89 años, y legó casi todos sus bienes a la St. Mary’s University. Está enterrada en el cementerio de Calvary, en Estados Unidos.

Tiene una estrella en el 6933 del Paseo de la Fama de Hollywood.